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Alonso Cano: La Inmaculada (Catedral de Granada - España)


La Inmaculada (Alonso Cano)
1662 - 1663
4,50 x 2,50 m. aprox.

El esquema compositivo del modelo granadino de "La Inmaculada" de Cano es uno de los más emblemáticos del barroco español y uno de los temas iconográficos más conocidos del artista. Síntesis de la obra de Cano como dibujante, escultor y pintor, supone uno de los ejemplos de la obra madurada a través del tiempo, que ha visto una evolución en su esquema iconográfico, en su policromía y en el concepto ideológico religioso.

La joven Virgen viste túnica blanca y manto azul atravesado en diagonal sobre el hombro y recogido por la cintura, lo que acentúa un volumen en el centro en contraste con el progresivo estrechamiento en los extremos superior e inferior, efecto que aporta ingravidez a la imagen, pareciendo estar suspendida en el vacío, como flotando queriéndose elevar, sensación que acentúan los ángeles niños que empujan la nube para elevar la monumental imagen de ademán solemne y majestuoso, en claro paralelismo a la representación iconográfica de la Asunción de María en cuerpo y alma a los cielos.

A los pies otros ángeles niños, dos a cada lado, sostienen lirios y azucenas. Se incorpora a la representación los símbolos del texto apocalíptico que desde los Padres de la Iglesia se aplica a la Inmaculada Concepción: "Una mujer envuelta en sol, con la luna bajo sus pies y en la cabeza una corona de doce estrellas" (Ap. 12,1). Estos elementos incorporados al tema pictórico confieren al conjunto un especial valor plástico y una inigualable fuerza colorista. El cuerpo de la Virgen se nos presenta literalmente envuelto en un gran sol de vivo color amarillo nápoles que le sirve de fondo, a la vez que destaca el blanco de la túnica y el intenso azul del manto; al mismo tiempo los querubines de sus pies están envueltos en una transparente luna blanca magistralmente pintada. Detrás de la cabeza un resplandeciente halo brillante y luminoso rodeado por doce estrellas. Destaca el carácter escultórico inigualablemente conseguido que Cano imprime a sus pinturas, dando la sensación de volúmenes superpuestos al lienzo.

En la parte superior la paloma, atributo del Espíritu Santo, sobre la cabeza dirigida suave y levemente hacia la izquierda, mientras las manos, desviadas hacia la derecha, se juntan rozándose en la punta de los dedos. La mirada, perdida en lo profundo, no se dirige al espectador sino a su interior en una mirada introspectiva sobre su mismo ser. Y por encima de todo la sobrecogedora belleza espiritual en íntima relación con su hermosura terrenal. En absoluto pretende ser retrato del natural sino idealización del canon cuasi platónico de la belleza femenina, interpretada en lo irreal del sueño a la vez que cercana para despertar emoción y sentimiento trascendente en el corazón del que la contempla.

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Rembrandt Harmensz van Rijn: Autorretrato de joven

Autorretrato de joven (Self Portrait at an Early Age) ,1628
Óleo sobre tabla 22,6 x 18,7 cm (Rijsmuseum, Amsterdam)
REMBRANDT HARMENSZ VAN RIJN (1606 - 1669)

Rembrandt tenía unos 22 años cuando hizo este autorretrato. Es uno de los primeros, todavía estaba al principio de su carrera profesional. Un retrato arriesgado, porque la mayor parte del rostro de Rembrandt está cubierto por la sombra. Sólo les da luz al cuello, al lóbulo de la oreja, a una parte de la mejilla y a un trozo pequeño de la nariz.

En realidad, no es un retrato, sino más bien un estudio, en el que Rembrandt experimentó con las luces y las sombras. Pintó su autorretrato para estudiar los efectos de una caída particular de luz.

La luz en la pintura viene de una potente fuente por la izquierda, más allá del borde de la pintura. Cae a través de parte de su cuello, su mejilla y su pelo desordenado, refractándose sobre su nariz, labios y la punta de su barbilla.

Una pesada sombra cae sobre el resto de su cara. Este agudo contraste entre la luz y las sombras se reconoce con el nombre de "claroscuro".



Golpe de luz a través de la mejilla.



Toque de luz blanca que destaca sobre el cuello.


Rembrandt sugirió los rizos raspando la pintura aún húmeda, debido a lo cual aparecieron los colores que estaban por debajo.

Pared enyesada.

Es interesante destacar la luz reflejada en diferentes superficies. Como fondo, una pared enyesada, que no es gris sino llena de señales blancas y color cobre.

Jacek Yerka: Pintura surrealista


















Jacek Yerka nació en 1953 en una pequeña ciudad al norte de Polonia.

Realizó estudios de arte en la Universidad.

Por sus paisajes surrealista y fantásticos es conocido como el pintor de los sueños.










Yerka combina colores como un mago, paisajes, lugares de su infancia, objetos cotidianos, y seres fantásticos.





Las pinturas de Yerka nos llevan al sueño, al asombro, a la fascinación, a islas imaginarias a países donde sólo llegan los ojos del niño.


Nos tiende una mano para atravesar el espejo y conducirnos a un mundo marino o celestial, a bosques o ciudades llenas de color, a los mundos del sueño, el asombro y el misterio, a su particular mundo de las maravillas.


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VER TAMBIÉN:

- Erik Johansson: Fotografía surrealista (Retoque fotográfico)



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Castillo de Cuevas del Almanzora: Sala Goya


Francisco de Goya (1746 - 1828)
Agustín de la Herrán (Bilbao, 1933)
Bronce fundido 14 x 38 x 75 cm. Realismo

El Castillo del Marqués de los Vélez en la localidad almeriense de Cuevas del Almanzora, alberga la única exposición permanente dedicada a los grabados de Goya en Andalucía.

La Fundación Antonio Manuel Campoy y la Concejalía de Cultura del Ayuntamiento de Cuevas del Almanzora ponen a disposición del público esta sala de exposiciones cuya visita es gratuita.



En la sala se encuentran expuestas dos carpetas de grabados: Los Proverbios o Disparates y La Tauromaquia.

El la parte exterior, de forma más moderna, se exponen los Proverbios o Disparates creados por Goya, probablemente, entre 1816 y 1823. Estos grabados no fueron editados en vida del artista.

En esta Sala se exponen 22 láminas. Cada lámina está acompañada de un texto explicativo escrito por Mariano Sánchez de Palacios.

De esta edición, correspondiente al año 1976, sólo se hicieron 500 carpetas numeradas. Ésta es la número 245.


En la sala interior, en un entorno más tradicional, se exponen los grabados sobre Tauromaquia en color.

Durante la restauración del castillo aparecieron una serie de tinajas del siglo XVI en las cuales el marqués guardaba los diezmos.

Las tinajas están alineadas de la misma manera que fueron encontradas.



Tras la Guerra de la Independencia, en Goya renació el interés por la fiesta de los toros. Comenzó a dibujar y grabar la Tauromaquia hacia 1814 y concluyó en 1816.

El inicio del trabajo coincide con la finalización de los dibujos preliminares de la serie de los Disparates, con la que guarda cierta relación.

Esta serie de grabados, un total de 47, es la primera y única edición que el artista realizó en color y está prologada por Antonio Manuel Campoy.

Imágenes de Mª José Corral Benítez.

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Banquete de Milicianos (Militia Banquet) - Van Der Helst


Banquete de milicianos para celebrar la firma de la Paz de Münster, 1648
Bartholomeus van der Helst (1613 - 1670)
Óleo sobre lienzo, 1648, 232 x 547 cm (Rijksmuseum, Amsterdam)

Un grupo de milicianos celebra el final de la Guerra de los Ochenta Años con España en Amsterdam con un banquete. La Paz de Münster, firmada el 15 de mayo de 1648, supuso el reconocimiento oficial de la República de los Países Bajos. Por fin la independencia se hizo realidad.

La pintura datada en 1648, que indica la razón de la celebración: el Tratado de Münster. Los milicianos celebran el final de la Guerra de los Ochenta Años. Bartholomeus van der Helst pintó este lienzo después 1648. Él probablemente pasó uno o dos años trabajando para ello, pintando los retratos de todos los guardias, individualmente. Esto explicaría por qué los hombres apenas se miran el uno al otro.


Poema sobre el tambor (Drum with poem by Jan Vos)
Recorte realizado por Mª José Corral Benítez

Texto del poema de Jan Vos:

"Belona (la diosa de la guerra) detesta la guerra
y Marte (el dios de la guerra) maldice el estruendo
Del metal preñado
y la espada quiere la vaina:
Por eso, el valiente Wits (Capitán Witsen) ofrece
al noble van Waveren (teniente van Waveren)
la cuerna de la paz
por el eterno tratado "

El poema tras las cuerdas del tambor cuenta que hay paz: se ha renunciado a la artillería y a la espada, ahora la cuerna para beber es el símbolo de la paz. El Capitán Cornelis Wilsen sostiene la cuerna en la rodilla, mientras que el teniente Oetgens van Waveren le da la mano.

Imagen: recorte por Mª José Corral Benítez

En la coraza brillante del capitán Cornelis Witsen están reflejados algunos milicianos.

La cuerna con San Jorge venciendo al dragón sólo se sacaba de armario en días de fiesta. Así lo refiere el poema como la "cuerna de la paz". San Jorge, al vencer al dragón, simboliza la victoria sobre los españoles.


Cuerna de plata de la paz (Drinking horn, Crossbowmen)

Se trataba de una milicia que velaba por el orden. En tiempos de necesidad defendía la ciudad. Todos los burgueses varones entre 18 y 60 años tenían obligación de rendir sus servicios a la milicia, pero no todos podían cumplir con su obligación porque uno mismo tenía costearse el armamento.

Los 25 milicianos representados en este lienzo estaban dispuestos a gastar dinero en que les retrataran. Eran miembros de la milicia que utilizaba el arco de pie como arma.

Una calle angosta en el centro de Amsterdam, el punto de encuentro de estos milicianos, sigue llevando el nombre de esta milicia, Voetboogsteeg. Del mismo modo, el callejón Handboogsteeg y el canal Kloveniersburgwal lleva el nombre de las otras dos milicias de Amsterdam, la del arco de mano y la del arcabuz (un arma de fuego) respectivamente. En cada barrio los milicianos estaban divididos en grupos, llamados "vendels". Hacia 1648 había 54 de estos grupos en Amsterdam.



Imagen: recorte por Mª José Corral Benítez

Bartholomeus van der Helst dispuso retratar a los milicianos en posturas relajadas. Algunos de ellos están alzando vasos en forma de tubo o copas, otros están llevando comida a su boca. A la izquierda, un hombre está incluso comiendo un trozo de carne de la punta del cuchillo.

Un viejo guardia está sujetando un portavasos dorado.
Un portavasos es un pie para que los vasos se queden bien sujetos. Era un adorno de prestigio en la mesa.


Otra pieza de gala: un portavasos de plata dorada, es decir, un agarradero para un vaso. Era siempre suntuosamente decorado. La mayoría estaban hechos de bronce, de plata o de plata dorada.

En el siglo XV los portavasos era frecuentemente utilizados por los aristócratas y miembros del gobierno. Hacia el siglo XVII, los burgueses adinerados adquirieron una serie de estos objetos, aunque la moda declinó después de 1650.



Imagen: recorte por Mª José Corral Benítez

El hombre del centro con el estandarte es el oficial abanderado. La bandera azul que lleva la personificación de la ciudad revela que estos son milicianos de Amsterdam.

La sirvienta portando un pastel adornado con pavo real y un "haldberd" o alabardero.
Imagen: recorte por Mª José Corral Benítez

A la derecha hay un sargento con una "haldberd" (alabarda). Un versátil arma que consta de un palo de madera de más de dos metros de largo acabado en punta de lanza, con una cuchilla de acero afilada en ambos lados. En la batalla, era usada para atacar y abrirse paso y desmontar a la caballería.

Desde la Edad Media hasta el siglo 16, los "halberds" o alabardas eran portadas por los soldados a pie. Más tarde, fueron solo las portaban los sargentos como distinción del rango.

Algunos reyes mantenían una guardia especial de "halberdiers".

Desde la Edad Media uno de los rasgos de cualquier banquete era la tarta, un plato cubierto del pastel que contiene un relleno que podría ser cualquiera de un número infinito de las variedades de la carne, el pescado, el gamo, la volatería, el queso, setas o fruta. A veces la tarta sería decorada para parecerse a un cisne, pavo, un pavo real o un faisán. Las tartas a menudo son destacadas en las pinturas de banquetes, como en el banquete de los milicianos de Bartholomeus van der Helst. Las tartas eran también un elemento común en naturalezas muertas de siglo XVII, como en las pinturas de Claes Jansz. Heda.

Para la realización del cuadro, Van der Helst tuvo presente que el trabajo terminado sería colgado a la izquierda de una ventana cuando compuso la pintura. La caída de la luz en la pintura ha sido adaptada a esta situación. Todas las sombras se caen dedesde el frontal derecho hacia el posterior izquierdo.

Bartholomeus van der Helst utilizó una composición tradicional. Así como a principios del siglo XVI , Dirck Barendsz había representado a milicianos alrededor de una mesa. Sin embargo, este cuadro del banquete de milicianos en ningún caso fue tan relajado como el de va der Helst. Aparte de la composición animada de la pintura, el empleo de color y el modo en cual los materiales diferentes han sido dados ha hecho que esta obra sea enormemente han admirada .

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